1917 (2020)
1917
”Dos soldados británicos deben entregar un mensaje para evitar una emboscada mortal durante la Primera Guerra Mundial.”
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Tráiler
¿Por qué ver esta película?
El director Sam Mendes (conocido por ‘Belleza americana’ y ‘Skyfall’) se inspiró en historias contadas por su abuelo, Alfred Mendes, para contar el viaje de dos soldados británicos que deben cruzar el frente alemán en plena Primera Guerra Mundial, con la misión de entregar un importante mensaje a un general aliado. Todo el largometraje está formado de largas tomas de aproximadamente ocho minutos de duración, dando al espectador la impresión de un enorme plano secuencia (casi) ininterrumpido (tal como hizo Alfred Hitchcock con ‘La soga’). Aunque no sucede exactamente en tiempo real, esto proporciona una profunda sensación de realidad, lo que nos hace entrar de lleno en su impactante y amarga historia. La película es un logro mayor en cuanto a fotografía (a cargo del legendario Roger Deakins), y cuenta con un elenco de grandes actores británicos, que incluye a nombres de la talla de Andrew Scott, Benedict Cumberbatch, Colin Firth y Mark Strong, entre otros. Pero quienes se llevan las palmas son los dos actores protagonistas, Dean-Charles Chapman (‘Game of Thrones’) y George MacKay (‘Capitán Fantástico’). Una gran experiencia cinematográfica que debe verse en la forma más inmersiva posible, sin potenciales interrupciones.
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Sinopsis de la película
Durante la Primera Guerra Mundial, los jóvenes soldados Schofield y Blake son asignados a una peligrosa misión contrarreloj: adentrarse en lo profundo del territorio enemigo y entregar un mensaje, para evitar que cientos de hombres – el hermano de Blake entre ellos – caigan en una mortal emboscada.
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Camino a la perdición
Del director Sam Mendes (‘Belleza americana’), ‘Camino a la perdición’ está basada en la novela gráfica homónima. Es atípica dentro del cine de gánsteres, con la relación de un padre y su joven hijo en el centro de la violenta narrativa. Incluso si la historia no te atrae, vale la pena su reparto de lujo, con Tom Hanks, Jennifer Jason Leigh, el legendario Paul Newman, Jude Law y Daniel Craig.
007: Operación Skyfall
Como la tercera entrega protagonizada por Daniel Craig, ‘007: Operación Skyfall’ (o sólo ‘Skyfall’) fue un gran paso para la saga cinematográfica de James Bond, que tuvo un serio incremento de caché con la contribución de Sam Mendes (‘Belleza americana’, ‘Camino a la perdición’) como director, un temazo digno de Oscar escrito e interpretado por Adele, la integración de Ralph Fiennes como Gareth Mallory y de Javier Bardem como el memorable villano Raoul Silva; y el regreso de ambos Q y Moneypenny, respectivamente interpretados por Ben Whishaw (‘El Perfume: Historia de un asesino’) y la gran Naomie Harris (‘Exterminio’). El resultado es la que se considera la mejor película de la era Craig y una de las mejores de la franquicia entera, sin mencionar que es la más exitosa de todas en la taquilla mundial – estrenada a tiempo para su aniversario cincuenta –. Finalmente, esta entrega marca la despedida de la gran Judi Dench en el papel de M, la única mujer que ha encarnado a la cabeza de la MI6.
Spectre
El cineasta Sam Mendes continuó como director de ‘Spectre’ luego del enorme éxito de ‘007: Operación Skyfall’, y con ‘Spectre’ entregó una sólida película de acción que, siendo sinceros, no logró replicar la frescura e intensidad de su predecesora, en buena medida gracias a un guion repetitivo y a un Bond realista, violento y cínico que con esta película comenzó a sentirse como una fórmula gastada. Tiene varios puntos favorables, como la fotografía de Hoyte van Hoytema (‘Interestelar’), así como el debut en forma de Ralph Fiennes en el rol de M, y la integración al elenco de grandes nombres como Léa Seydoux (‘La vida de Adèle’), Monica Bellucci (‘Irreversible’) y Dave Bautista (‘Guardianes de la Galaxia’) como un imponente matón. Mención aparte para el gran Christoph Waltz (‘Bastardos sin gloria’), quien encarna al icónico archienemigo de James Bond, Ernst Stavro Blofeld, en su primera aparición (así como de su organización, S.P.E.C.T.R.E.) dentro de la continuidad de la era Craig. La película también marcó un curioso hito para los fans mexicanos, pues la secuencia inicial sucede en la Ciudad de México durante un desfile del Día de muertos, una tradición anteriormente inexistente en el país y que se lleva a cabo anualmente después de la filmación.
Belleza Americana
Dirigida por Sam Mendes y ganadora de cinco premios Óscar (mejor película, mejor guión, mejor fotografía, mejor director y mejor actor), ‘Belleza americana’ es una obra maestra del cine estadounidense. Está repleta de simbolismo para representar, al puro estilo lynchiano, las paradojas de la cultura suburbana americana: el conformismo, la represión, y el culto a la juventud y la belleza (o por lo menos a las apariencias). Se le consideró la mejor película en su año de estreno y, a la fecha, permanece como una de las más icónicas de los últimos veinte años.
Imperio de luz
Hilary (Olivia Colman) es la dedicada gerente de un cine en una ciudad costera inglesa a principios de los años 80. En ese momento, los cines comenzaban a experimentar una transformación, dejando atrás esas grandes e imponentes salas y buscando cada vez más un nuevo público. El personaje, por lo tanto, está en este momento de cambio, donde todo es incierto. Y aunque esto sea una de las cosas que más llaman la atención en Imperio de luz (Empire of Light), nominada al Oscar por la hermosa fotografía de Roger Deakins, no es este el punto principal. Lo que mueve la trama es la salud mental de la protagonista, que vive una cierta inestabilidad y no puede lidiar tan bien con sus emociones, especialmente después de desarrollar una relación con el nuevo empleado, Stephen (Micheal Ward). El director de la película, Sam Mendes (1917), es más conocido por su precisión técnica que por buenas historias, por lo que no es sorprendente que falte un poco de corazón en Imperio de luz, así como cierto conocimiento en temas que deberían ser más profundizados, como la salud mental de Hilary y el racismo sufrido por Stephen. Aún así, es fácil emocionarnos con la trayectoria del personaje, brillantemente interpretado por Colman (La favorita), que se entrega al personaje con una intensidad silenciosa que llama la atención en la pantalla grande.
Drama
El secuestro del Papa
En El secuestro del Papa (Rapito), el cineasta italiano Marco Bellocchio se adentra en uno de los episodios más turbios y polémicos en la historia de la iglesia católica, el "caso Mortara". En 1851, cuando el niño judío Edgardo Mortara cae gravemente enfermo, su nana católica decide bautizarlo de emergencia. Sin embargo, la ley papal dicta que todo católico deberá ser criado como tal, así que el cardenal ordena que el niño sea recuperado y llevado a manos de la iglesia, contra los deseos de sus padres, que deciden pelear por él. La película narra un caso polémico que captó la atención del resto de Europa y de América, y narra con habilidad la lucha de intereses entre el poder menguante de la iglesia, los padres de Mortara, y la opinión pública, con consecuencias irreversibles para todas las partes.
Nuestro hogar
André Luiz, el protagonista, nos muestra el mundo que nos aguarda tras la muerte. En una ciudad próspera y futurista, llena de vida y actividad, y organizada de un modo ejemplar, los espíritus recién llegados pasan por fases de rehabilitación y de educación espiritual bajo el control de espíritus de mayor categoría.
20.000 especies de abejas
Cocó, de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane, (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel. Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores.
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Hay un personaje en Nuestro hijo (Our Son) que plantea una cuestión curiosa: la comunidad LGBTQIA+ ha luchado tanto por el derecho a casarse y formar familia, que parece un desperdicio que se divorcien "como todos los demás". De eso trata la triste historia de esta película, en la que Billy Porter y Luke Evans interpretan a un matrimonio gay que, con un hijo en común, deciden separarse y pelear por la custodia. Es el tipo de historia ya muy vista desde dramas como Kramer contra Kramer, pero esta película le añade necesarios matices contemporáneos y una humanidad muy aterrizada: sí, se ha peleado mucho por esos deseos. Pero al final, como todos, los miembros de la comunidad son tan humanos como nosotros, con virtudes y defectos, a los que Evans y Porter hacen honor con creces.
