Z: La ciudad perdida (2017)
Z: La ciudad perdida
”Un explorador británico descubre evidencias de una civilización avanzada en la Amazonia.”
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Tráiler
¿Por qué ver esta película?
Dirigida por James Gray (‘Sueños de libertad’) y basada en el libro homónimo de David Grann – a su vez inspirado en la historia real del explorador Percy Fawcett –, ‘Z: La ciudad perdida’ es un regreso a las grandes épicas de aventuras y exploración hollywoodenses, con la espectacularidad visual permitida por la tecnología contemporánea, además de un sólido guion de ficción histórica con personajes complejos. Por ello, a pesar de su fracaso en taquilla, fue considerada una de las mejores películas de su año. Las actuaciones son excelentes por parte de todo el elenco, desde Charlie Hunnam (‘Titanes del Pacífico’) y Robert Pattinson (‘Cosmópolis’), a Sienna Miller (‘Francotirador’) y el joven Tom Holland (‘En el corazón del mar’).
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En un viaje a la Amazonia en el siglo XX, el expedicionario británico Percy Fawcett descubre evidencias de una avanzada civilización que pudo haber habitado la región. Al recibir burlas de la comunidad científica, convencidos de que los indígenas no pueden ser más que salvajes, Fawcett está decidido a regresar con una nueva expedición y probar su teoría.
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Sueños De Libertad
Película con Marion Cotillard, Joaquin Phoenix y Jeremy Renner. El guión explora una Nueva York en plenos años 20 y retrata la dura realidad de una joven polaca y su hermana enferma, en busca del “sueño americano".
Ad Astra: hacia las estrellas
James Gray (‘Amantes’, ‘Sueños de libertad’) no es un cineasta prolífico, pero cada una de sus películas son dignas de admiración. Ahora el neoyorkino nos ofrece ‘Ad astra: hacia las estrellas’, una historia épica que tiene lugar en el espacio. El corazón del relato es la búsqueda de la identidad masculina a través del reencuentro con una figura paterna ausente, lejana y abstracta. Las similitudes con ‘Interestelar’, de Christopher Nolan, son varias (incluso ambas películas fueron fotografiadas por Hoyte Van Hoytema), en el sentido dramático y la forma en que se usan las secuencias de acción, que además de entretener, dicen mucho sobre el personaje protagónico. El trabajo de Brad Pitt es excelente, con una actuación bastante contenida, donde dice más con gestos y miradas que con palabras.
El tiempo del Armagedón
Tal como Alfonso Cuarón reflexionó sobre su infancia y Roma, o Kenneth Branagh hizo lo propio con Belfast, el cineasta estadounidense James Gray (Ad Astra) presenta sus memorias afectivas y emocionales en El tiempo del Armagedón (Armageddon Time). La historia trata sobre un chico viviendo en Nueva York en plena transformación, entrando en contacto por primera vez con el racismo sufrido por un compañero de la escuela. Incluso si la película no logra llevar bien el tema, acierta en su retrato de la dinámica familiar del niño, principalmente en la relación con su apasionante abuelo (Anthony Hopkins en otra actuación deslumbrante). Podríamos decir que todo lo que Branagh hace mal en su memoria fílmica, Gray lo hace bien con El tiempo del Armagedón. Puede que no sea una película realmente memorable, pero sin duda presenta algunos temas importantes y, en ciertos momentos, conmueve.
Drama
Maestro
Cuando te sientas a ver Maestro, es natural que esperes una película biográfica sobre Leonard Bernstein, el talentoso y complicado director de orquesta interpretado por Bradley Cooper, quien también dirige. Sin embargo, lo que se desarrolla en la trama no es algo como una típica biografía, sino más bien una película compleja sobre el amor entre Bernstein y Felicia Montealegre (Carey Mulligan). Lento y contemplativo, el largometraje evita caer en las trampas de convertir esta historia en un melodrama al estilo de Historia de un matrimonio, presentando las emociones de manera sutil. Por el contrario, Cooper deja mucho implícito para que nosotros, el público, podamos sentir lo que está sucediendo y no solo observar. Por lo tanto, es una película que exige mucho de la audiencia, que debe comprometerse con la idea y no encontrarla simplemente monótona. Lee la crítica completa de Maestro aquí.
Tótem
Al hablar del dolor personal, el cine mexicano tiene la tendencia (o el vicio, sería más atinado decir) de inclinarse demasiado hacia el melodrama exacerbado, o bien, al miserabilismo más mediocre. Con Tótem, la cineasta mexicana Lila Avilés (premiada en el Festival de Morelia tanto por esta película como por La camarista) nos recuerda que hay otro camino: el de entender, aceptar y sentir. Eso es precisamente lo que nos invita a hacer a través de la historia de Sol (Naíma Sentíes), una pequeña que se reúne con su familia para celebrar el cumpleaños de su padre (Mateo García), quien está demasiado enfermo como para aparecer en la fiesta. Con gran habilidad de guión y una cámara entre furtiva y cómplice, la mirada de Avilés se filtra en la agridulce intimidad de una familia unida por el dolor inminente, revelando poco a poco, y desde la compasión, las formas en que cada persona lo enfrenta. Lee más en nuestra crítica completa de Tótem.
Días difíciles
Entre las noches de Navidad y Año Nuevo, el 29 de diciembre, el detective Yuji Kudo maneja su automóvil para visitar a su madre, quien está hospitalizada con un grave problema de salud. En el camino, recibe una llamada del comisario preguntando sobre su participación en la creación de un fondo secreto al mismo tiempo que descubre que su madre ha fallecido. Yuji entonces atropella accidentalmente a un hombre, quien muere instantáneamente. Es en ese momento que el protagonista, en el hospital, intenta encubrir la muerte del hombre atropellado, colocando su cadáver en el ataúd de su madre. Días difíciles, un improbable thriller dramático japonés, muestra los efectos de esta decisión de Yuji, quien debe lidiar con una serie de errores que surgen a raíz de sus decisiones descabelladas mientras es investigado. Con un tono extraño y tenso, pero también emocional, la película demuestra la calidad del cineasta Michihito Fujii, que sabe cómo mezclar géneros en un largometraje lleno de improbabilidades, pero auténtico.
Monster
Con películas como Un asunto de familia y Broker (entre tantas otras), el cineasta japonés Hirokazu Kore-eda es un maestro de contar historias de una moralidad compleja, donde la verdad jamás es simple y las respuestas transitan por todos los tonos de gris. Monster es otra gran demostración de ello (la película fue ganadora como Mejor guión en el Festival de Cannes 2023). Su trama comienza con una madre preocupada por el extraño comportamiento reciente de su hijo y, después de investigar, comienza a temer que esté siendo abusado por un maestro de la escuela. Sin embargo, conforme la trama se desarrolla, somos testigos de todos los elementos que complican y enredan la verdad que se esconde detrás. Monster es la clase de película que conmueve profundamente, y que invita a pensar las maneras en que nos relacionamos con –y en las que juzgamos a– quienes nos rodean.
