La ley del deseo (1987)
La ley del deseo
”Un director de teatro homosexual se enamora obsesivamente de un hombre, pero su hermano transexual interfiere.”
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¿Por qué ver esta película?
"La Ley del Deseo" cuenta la historia de un director de teatro homosexual que se involucra en un romance obsesivo y tóxico. Al igual que la mayoría de las películas de Pedro Almodóvar, vemos nuevamente una discusión sobre religión y valores morales condimentado con amor, sexo y crítica a la Iglesia Católica. Cargada de ironía, esta trágica historia es esencial para entender el lado más crudo del cine de Almodóvar. Además de un buen guión, fotografía, banda sonora (que incluye una versión de la cantante brasileña Maysa de "Ne Me Quitte Pas"), y la brillante dirección del cineasta español, "La Ley del Deseo" también cuenta con excelentes actuaciones de Antonio Banderas y Carmen Maura. Sin duda, esta es una de las mejores (y más personales) obras de Pedro Almodóvar.
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Sinopsis de la película
Con Antonio Banderas y Carmen Maura. Un hombre planea la muerte de otro para ganarse el amor de un cineasta español, quien vive con un hermano transexual.
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Madres paralelas
Una de las mejores películas de Pedro Almodóvar, siguiendo su excelente trabajo con ‘Dolor y gloria’, de 2019. Tan imprevisible como buena parte de su filmografía, ‘Madres paralelas’ presenta una historia sorprendente y conmovedora: dos mujeres de diferentes edades se conocen en el hospital donde darán a luz el mismo día, formando un vínculo que transforma sus vidas. Es fácil relacionarse con los personajes, y las actuaciones son impecables –destacan Penélope Cruz y Milena Smit, que además de darlo todo, tienen muy buena química–. ‘Madres paralelas’ tiene un fantástico guión que se aleja de convencionalismos, trayendo a la mesa discusiones muy relevantes.
Entre tinieblas
Se trata de la tercera película de Pedro Almodóvar, misma que, si se considera el renombre del director en el siglo XXI, fue rechazada por el Festival de Cannes en su año y tildada de blasfema en el Festival de Venecia. Entre tinieblas es un retrato de los anacronismos entre la sociedad española contemporánea y la religión institucionalizada, por medio de una oscura comedia que aborda desde monjas hasta lesbianismo y drogas. Es sumamente extravagante (en el buen sentido) y ya deja ver el estilo excéntrico y cursilón que distingue a la carrera del cineasta español. También aparecen muchas de las actrices que frecuentan su filmografía: Julieta Serrano, Carmen Maura, Marisa Paredes, Chus Lampreave e incluso una breve aparición de Cecilia Roth.
¿Qué he hecho yo para merecer esto?
La cuarta película de Pedro Almodóvar y, en su momento, la primera en su carrera que se estrenó en Estados Unidos, elevándolo aún más ante el público internacional. Mejor recibida que sus predecesoras, ¿Qué he hecho yo para merecer esto? mantiene el sello melodramático y de barroquismo kitsch que caracteriza a la filmografía del director, aunque esta vez con una manufactura un poco más cruda, esta vez en una crítica de la sociedad española machista, un tratado feminista que descansa en los hombros de la entonces actriz fetiche del director, Carmen Maura (Entre tinieblas).
Mujeres al borde de un ataque de nervios
Nominada al Óscar, esta comedia de 1988 cuenta la historia de la ruptura amorosa de Pepa (Carmen Maura) e Iván (Fernando Guillén), por lo que ella está absolutamente devastada. En 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', Almodóvar hace una notable exhibición estilística acompañada de un no menos delicioso guión, ejemplo perfecto de cómo construir una trama, hacerla avanzar y no olvidar nunca a los personajes ni a sus propios conflictos. La maravillosa música incidental y algo exagerada es de Bernardo Bonnezzi. Una vez más, Almodóvar demuestra su gran capacidad para extraer oro de sus actores, aquí tenemos un ejemplo de un reparto absolutamente memorable, desde el registro exasperado de Maura hasta la extraña dulzura de Rossy de Palma.
Tacones lejanos
Citada como uno de los trabajos menos populares y peor recibidos del cineasta español Pedro Almodóvar, Tacones lejanos fue, a pesar de todo, nominada al Globo de Oro a la Mejor película extranjera, El director regresa un poco al tono entre cómico y melodramático de muchos de sus mejores trabajos, en la clave de dramas domésticos como Lo que el cielo nos da (All that Heaven Allows) o Imitación a la vida (Imitation of Life), aquí aderezada por un misterio de asesinato.
Kika
Kika fue la segunda ocasión que una película de Almodóvar le valió a una actriz, Verónica Forqué, el Premio Goya a la Mejor Actriz Protagonista (la primera fue Mujeres al borde de un ataque de nervios, para Carmen Maura). Aquí vemos a un Pedro Almodóvar en su modo melodramático kitsch fársico más desenfrenado –a veces con resultados controvertidos–, en una comedia de enredos extrañamente alegre que aborda temas como la esperanza y la depravación, de paso emitiendo un comentario sobre los entonces novedosos reality shows.
La flor de mi secreto
Merecedora a siete nominaciones a los Premios Goya (aunque no ganó ninguno), La flor de mi secreto reúne a la legendaria Marisa Paredes con el director Pedro Almodóvar después de Tacones lejanos, explorando temas ya para entonces típicos en la filmografía del director, con su acostumbrada mezcla de comedia negra y melodrama cursi. La película también aborda cómo el arte no sólo se relaciona con la vida, sino cómo diverge de ella. No sólo eso, pues paradójicamente, una parte de la trama hace eco de una futura película del director, Volver.
Carne trémula
Esta película presenta la segunda colaboración del actor Javier Bardem con el cineasta manchego Pedro Almodóvar después de su aparición en Tacones lejanos, y no sólo eso, también marca la primera participación de Penélope Cruz en una película suya. Vagamente basada en la novela Live Flesh de Ruth Rendell, Carne trémula coquetea con el estilo noir pero sigue siendo un melodrama en la clave única del director, para lidiar con las consecuencias de la casualidad provocada por un acto de violencia. Nominada a tres Premios Goya y ganadora de uno, Mejor actor de reparto, para José Sancho.
Todo sobre mi madre
Si Mujeres al borde de un ataque de nervios puso a Pedro Almodóvar en el mapa del público internacional, Todo sobre mi madre lo consolidó como uno de los mejores directores españoles –y del mundo– en activo. Ganadora de seis Premios Goya, dos BAFTA, el Globo de Oro y el Óscar a Mejor película extranjera, más el premio al Mejor director en el Festival de Cannes, se trata de un poderoso drama con los tintes de comedia negra acostumbrados por el director, para lidiar con temáticas como la fe y el existencialismo, la homosexualidad, la pérdida y el SIDA.
Hable con ella
Considerada una de las mejores películas de los dosmiles, Hable con ella le mereció a Pedro Almodóvar el Oscar a Mejor guion original, así como el Globo de Oro y el BAFTA a Mejor película extranjera. La película, atípicamente para Almodóvar en esta etapa de su carrera, pone el foco en dos protagonistas masculinos que añoran el amor de dos mujeres en estado de coma. Se trata de una historia sentimental que mezcla magistralmente la sensualidad y la espiritualidad, la alegría y la tristeza, con un final que es difícil de olvidar.
La mala educación
Se trata de uno de los ejercicios del cineasta español Pedro Almodóvar más anclados en la metaficción –tal como sucede en la película dentro de la película, el director creció en la España franquista–. La mala educación es un regreso al tono dramático más serio de Almodóvar, en una profunda exploración de la identidad sexual, la tentación y el deseo, así como el tema de los abusos sexuales en la Iglesia Católica, en una era de estricta represión, contada por medio de una trama laberíntica de misterio y con el mexicano Gael García Bernal en una de las más grandes actuaciones de su carrera. La película fue nominada al BAFTA, al César y a cuatro Premios Goya. Seleccionada en los Festivales de Cannes y de Toronto.
Volver
Pedro Almodóvar presenta una película colorida, viva y atrayente con una historia bastante oscura. En Volver seguimos la historia de una familia compuesta sólo por mujeres –los hombres son totalmente innecesarios en la narrativa–. El director logra una bella obra para celebrar la fuerza femenina, y como en toda su filmografía, la banda sonora es impecable. También lo es el elenco formado por Penélope Cruz (nominada al Oscar), además de Carmen Maura, Lola Dueñas y Yohana Cobo. En resumen, Volver logra ser una producción tan graciosa como perturbadora y relevante.
Dolor y gloria
¿Se puede producir arte constantemente o hay un momento en que es necesario detenerse a meditar al respecto? La reflexión sobre el quehacer cinematográfico en el propio cine no es algo nuevo (8 ½, El ladrón de orquídeas) y ahora toca el turno al cineasta español Pedro Almodóvar. El realizador viaja por su memoria con suma sensibilidad, inocencia y desamor, y transmite a la perfección el dolor y angustia de la vejez, no sin antes llenar los ojos y el corazón del público. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes, donde obtuvo el premio al mejor actor (Antonio Banderas).
La voz humana
Aunque parezca increíble, La voz humana se trata de la primera película en inglés del cineasta español Pedro Almodóvar, protagonizada por la única y fascinante Tilda Swinton. Un cortometraje de 30 minutos en los que ambos artistas dan rienda suelta a temas tan constantes en la obra del director como la feminidad, el desamor, la soledad y el abandono. Almodóvar y Swinton forman una dupla irresistible. ¿Cómo no dejarse seducir el uno por el otro? Ella interpreta a la perfección el papel de mujer despechada, siempre al borde de un ataque de nervios, acompañada del perro que pertenece a su ex amante, quien la ha abandonado para casarse con otra mujer. Pedro Almodóvar adapta el célebre monólogo de Jean Cocteau en 1930 (escrito para que lo interpretara Edith Piaf, aunque ella nunca lo hizo). La primera adaptación fue de Roberto Rosellini en 1948, protagonizada por Anna Magnani en Amor (L'amore), y la segunda en 1966, de nuevo por Rossellini y con Ingrid Bergman en el papel principal. Swinton, consagrada como una de las grandes actrices de nuestra época, es simplemente perfecta para plasmar la dignidad femenina y la resiliencia de su personaje. Con una estética totalmente Almodovariana, este cortometraje es obligado para los fanáticos del director manchego.
Extraña Forma de Vida
Cortometraje del talentoso cineasta español Pedro Almodóvar (Madres paralelas), Extraña forma de vida es muy diferente en términos narrativos de lo que vemos en su otro cortometraje en inglés, La voz humana, pero comparte una misma esencia: provocar y cuestionar el lenguaje del cine. Mientras que el otro trata sobre la naturaleza confinada (e incluso la existencia) de los personajes, este cuestiona los límites del género wéstern. ¿Cómo? Siguiendo los pasos de Secreto en la montaña, trata sobre la historia de amor entre dos hombres (Ethan Hawke y Pedro Pascal) en un entorno que generalmente presenta una masculinidad tóxica. En media hora, el cineasta español construye una narrativa que atrapa, hablando de traición, miedo y redención, en una historia que nos mantiene interesados hasta su conclusión. Y una advertencia para quienes la vean en cines: tal vez sea mejor dejar de lado la entrevista que se presenta al final, que dura una hora. Además de ser demasiado larga, Almodóvar acaba proporcionando información que interfiere en la experiencia en general. Lee más en nuestra crítica de Extraña forma de vida.
Drama
El secuestro del Papa
En El secuestro del Papa (Rapito), el cineasta italiano Marco Bellocchio se adentra en uno de los episodios más turbios y polémicos en la historia de la iglesia católica, el "caso Mortara". En 1851, cuando el niño judío Edgardo Mortara cae gravemente enfermo, su nana católica decide bautizarlo de emergencia. Sin embargo, la ley papal dicta que todo católico deberá ser criado como tal, así que el cardenal ordena que el niño sea recuperado y llevado a manos de la iglesia, contra los deseos de sus padres, que deciden pelear por él. La película narra un caso polémico que captó la atención del resto de Europa y de América, y narra con habilidad la lucha de intereses entre el poder menguante de la iglesia, los padres de Mortara, y la opinión pública, con consecuencias irreversibles para todas las partes.
Nuestro hogar
André Luiz, el protagonista, nos muestra el mundo que nos aguarda tras la muerte. En una ciudad próspera y futurista, llena de vida y actividad, y organizada de un modo ejemplar, los espíritus recién llegados pasan por fases de rehabilitación y de educación espiritual bajo el control de espíritus de mayor categoría.
20.000 especies de abejas
Cocó, de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane, (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel. Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores.
Nuestro hijo
Hay un personaje en Nuestro hijo (Our Son) que plantea una cuestión curiosa: la comunidad LGBTQIA+ ha luchado tanto por el derecho a casarse y formar familia, que parece un desperdicio que se divorcien "como todos los demás". De eso trata la triste historia de esta película, en la que Billy Porter y Luke Evans interpretan a un matrimonio gay que, con un hijo en común, deciden separarse y pelear por la custodia. Es el tipo de historia ya muy vista desde dramas como Kramer contra Kramer, pero esta película le añade necesarios matices contemporáneos y una humanidad muy aterrizada: sí, se ha peleado mucho por esos deseos. Pero al final, como todos, los miembros de la comunidad son tan humanos como nosotros, con virtudes y defectos, a los que Evans y Porter hacen honor con creces.
