Hable con ella
Pedro AlmodóvarGanador del Oscar (1x)Ganador del Globo de Oro (1x)Ganador del Premio César (1x)Ganador del Premio BAFTA (2x)Ganador del European Film Awards (2x)Ganador del Premio Goya (1x)Selecionado y/o exhibida en el Festival de Toronto
Ganadora de un Óscar a mejor guion. Un enfermero está enamorado de una bailarina quien tras un accidente cae en coma y acaba bajo su cuidado. Dentro de la clínica, la vida de los personajes fluye en todas las direcciones, pasado, presente y futuro, guiándolos a un destino insospechado.
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Hable con ella (2002)
Tráiler
Sinopsis
Ganadora de un Óscar a mejor guion. Un enfermero está enamorado de una bailarina quien tras un accidente cae en coma y acaba bajo su cuidado. Dentro de la clínica, la vida de los personajes fluye en todas las direcciones, pasado, presente y futuro, guiándolos a un destino insospechado.
Ficha técnica
¿Por qué ver esta película?
Considerada una de las mejores películas de los dosmiles, ‘Hable con ella’ le mereció a Pedro Almodóvar el Oscar a Mejor guion original, así como el Globo de Oro y el BAFTA a Mejor película extranjera. La película, atípicamente para Almodóvar en esta etapa de su carrera, pone el foco en dos protagonistas masculinos que añoran el amor de dos mujeres en estado de coma. Se trata de una historia sentimental que mezcla magistralmente la sensualidad y la espiritualidad, la alegría y la tristeza, con un final que es difícil de olvidar.
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Dolor y gloria
¿Se puede producir arte constantemente o hay un momento en que es necesario detenerse a meditar al respecto? La reflexión sobre el quehacer cinematográfico en el propio cine no es algo nuevo (‘8 ½’, ‘El ladrón de orquídeas’) y ahora toca el turno al cineasta español Pedro Almodóvar. El realizador viaja por su memoria con suma sensibilidad, inocencia y desamor, y transmite a la perfección el dolor y angustia de la vejez, no sin antes llenar los ojos y el corazón del público. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes, donde obtuvo el premio al mejor actor (Antonio Banderas).
Tacones lejanos
Citada como uno de los trabajos menos populares y peor recibidos del cineasta español Pedro Almodóvar, ‘Tacones lejanos’ fue, a pesar de todo, nominada al Globo de Oro a la Mejor película extranjera, El director regresa un poco al tono entre cómico y melodramático de muchos de sus mejores trabajos, en la clave de dramas domésticos como ‘Solo el cielo lo sabe’ (‘All that Heaven Allows’) o ‘Imitación a la vida’ (‘Imitation of Life’), aquí aderezada por un misterio de asesinato.
Mujeres al borde de un ataque de nervios
Nominada al Óscar, esta comedia de 1988 cuenta la historia de la ruptura amorosa de Pepa (Carmen Maura) e Iván (Fernando Guillén), por lo que ella está absolutamente devastada. En 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', Almodóvar hace una notable exhibición estilística acompañada de un no menos delicioso guión, ejemplo perfecto de cómo construir una trama, hacerla avanzar y no olvidar nunca a los personajes ni a sus propios conflictos. La maravillosa música incidental y algo exagerada es de Bernardo Bonnezzi. Una vez más, Almodóvar demuestra su gran capacidad para extraer oro de sus actores, aquí tenemos un ejemplo de un reparto absolutamente memorable, desde el registro exasperado de Maura hasta la extraña dulzura de Rossy de Palma.
Carne trémula
Esta película presenta la segunda colaboración del actor Javier Bardem con el cineasta manchego Pedro Almodóvar después de su aparición en ‘Tacones lejanos’, y no sólo eso, también marca la primera participación de Penélope Cruz en una película suya. Vagamente basada en la novela ‘Live Flesh’ de Ruth Rendell, ‘Carne trémula’ coquetea con el estilo noir pero sigue siendo un melodrama en la clave única del director, para lidiar con las consecuencias de la casualidad provocada por un acto de violencia. Nominada a tres Premios Goya y ganadora de uno, Mejor actor de reparto, para José Sancho.
La flor de mi secreto
Merecedora a siete nominaciones a los Premios Goya (aunque no ganó ninguno), ‘La flor de mi secreto’ reúne a la legendaria Marisa Paredes con el director Pedro Almodóvar después de ‘Tacones lejanos’, explorando temas ya para entonces típicos en la filmografía del director, con su acostumbrada mezcla de comedia negra y melodrama cursi. La película también aborda cómo el arte no sólo se relaciona con la vida, sino cómo diverge de ella. No sólo eso, pues paradójicamente, una parte de la trama hace eco de una futura película del director, ‘Volver’.
¿Qué he hecho yo para merecer esto?
La cuarta película de Pedro Almodóvar y, en su momento, la primera en su carrera que se estrenó en Estados Unidos, elevándolo aún más ante el público internacional. Mejor recibida que sus predecesoras, ‘¿Qué he hecho yo para merecer esto?’ mantiene el sello melodramático y de barroquismo kitsch que caracteriza a la filmografía del director, aunque esta vez con una manufactura un poco más cruda, esta vez en una crítica de la sociedad española machista, un tratado feminista que descansa en los hombros de la entonces actriz fetiche del director, Carmen Maura (‘Entre tinieblas’).
La mala educación
Se trata de uno de los ejercicios del cineasta español Pedro Almodóvar más anclados en la metaficción –tal como sucede en la película dentro de la película, el director creció en la España franquista–. ‘La mala educación’ es un regreso al tono dramático más serio de Almodóvar, en una profunda exploración de la identidad sexual, la tentación y el deseo, así como el tema de los abusos sexuales en la Iglesia Católica, en una era de estricta represión, contada por medio de una trama laberíntica de misterio y con el mexicano Gael García Bernal en una de las más grandes actuaciones de su carrera. La película fue nominada al BAFTA, al César y a cuatro Premios Goya. Seleccionada en los Festivales de Cannes y de Toronto.
Kika
‘Kika’ fue la segunda ocasión que una película de Almodóvar le valió a una actriz, Verónica Forqué, el Premio Goya a la Mejor Actriz Protagonista (la primera fue ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, para Carmen Maura). Aquí vemos a un Pedro Almodóvar en su modo melodramático kitsch fársico más desenfrenado –a veces con resultados controvertidos–, en una comedia de enredos extrañamente alegre que aborda temas como la esperanza y la depravación, de paso emitiendo un comentario sobre los entonces novedosos reality shows.
Entre tinieblas
Se trata de la tercera película de Pedro Almodóvar, misma que, si se considera el renombre del director en el siglo XXI, fue rechazada por el Festival de Cannes en su año y tildada de blasfema en el Festival de Venecia. ‘Entre tinieblas’ es un retrato de los anacronismos entre la sociedad española contemporánea y la religión institucionalizada, por medio de una oscura comedia que aborda desde monjas hasta lesbianismo y drogas. Es sumamente extravagante (en el buen sentido) y ya deja ver el estilo excéntrico y cursilón que distingue a la carrera del cineasta español. También aparecen muchas de las actrices que frecuentan su filmografía: Julieta Serrano, Carmen Maura, Marisa Paredes, Chus Lampreave e incluso una breve aparición de Cecilia Roth.
Todo sobre mi madre
Si ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ puso a Pedro Almodóvar en el mapa del público internacional, ‘Todo sobre mi madre’ lo consolidó como uno de los mejores directores españoles –y del mundo– en activo. Ganadora de seis Premios Goya, dos BAFTA, el Globo de Oro y el Óscar a Mejor película extranjera, más el premio al Mejor director en el Festival de Cannes, se trata de un poderoso drama con los tintes de comedia negra acostumbrados por el director, para lidiar con temáticas como la fe y el existencialismo, la homosexualidad, la pérdida y el SIDA.
La voz humana
Aunque parezca increíble, ‘La voz humana’ se trata de la primera película en inglés del cineasta español Pedro Almodóvar, protagonizada por la única y fascinante Tilda Swinton. Un cortometraje de 30 minutos en los que ambos artistas dan rienda suelta a temas tan constantes en la obra del director como la feminidad, el desamor, la soledad y el abandono. Almodóvar y Swinton forman una dupla irresistible. ¿Cómo no dejarse seducir el uno por el otro? Ella interpreta a la perfección el papel de mujer despechada, siempre al borde de un ataque de nervios, acompañada del perro que pertenece a su ex amante, quien la ha abandonado para casarse con otra mujer. Pedro Almodóvar adapta el célebre monólogo de Jean Cocteau en 1930 (escrito para que lo interpretara Edith Piaf, aunque ella nunca lo hizo). La primera adaptación fue de Roberto Rosellini en 1948, protagonizada por Anna Magnani en ‘Amor’ (‘L´amore’), y la segunda en 1966, de nuevo por Rossellini y con Ingrid Bergman en el papel principal. Swinton, consagrada como una de las grandes actrices de nuestra época, es simplemente perfecta para plasmar la dignidad femenina y la resiliencia de su personaje. Con una estética totalmente Almodovariana, este cortometraje es obligado para los fanáticos del director manchego.
Drama
El estornino
Dirigida por Theodore Melfi (‘Talentos ocultos’) y estrenada en el Festival de Cine de Toronto en 2021, ‘El estornino’ (‘The Starling’) es un drama sobre enfrentar el dolor de la pérdida y aprender a vivir el duelo. Melissa McCarthy (‘¿Podrás perdonarme?’) y Chris O’Dowd (‘Cartas de Van Gogh’) protagonizan como una pareja que ha atravesado una difícil pérdida, y que cada uno decide lidiar con ella de formas distintas. Es un tema interesante, pero el guion de Matt Harris y la dirección de Melfi optan por la ruta del sentimentalismo facilón, sin decir nada realmente valioso sobre el proceso de duelo,más allá de algunas metáforas burdas. Destaca el elenco, que además de MCarthy y O’Dowd, incluye a talentos como Kevin Kline (‘La decisión de Sophie’), Timothy Olyphant (‘Había una vez en... Hollywood’) y Laura Harrier (‘El infiltrado del KKKlan’).
Noche de fuego
Con su tercer largometraje, la cineasta Tatiana Huezo (‘El lugar más pequeño’, ‘Tempestad’) da el salto al cine de ficción, y la transición es, en términos generales, exitosa. Incluso si las implicaciones de narrar ficción son otras –con un guion basado en la novela ‘Prayers for the Stolen’, de Jennifer Clement, titulada en México ‘Ladydi’–, la directora mantiene con ‘Noche de fuego’ una continuidad temática con sus largometrajes previos: el arraigo por el hogar, así como la rabia y el miedo de quienes han sido desplazados de sus hogares por el crimen y la guerra, con especial énfasis en las víctimas femeninas de dichos contextos. La película es contundente en su representación de una realidad dolorosa del México contemporáneo, pero nunca cae en la explotación miserabilista que acostumbran otras películas similares. Por el contrario, Huezo preserva su maestría para retratar aquello que no se ve, la ira y los miedos que no se enuncian, pero que se entienden entre líneas (o entre imágenes). El impacto queda un poco diluido por la inmediatez de la ficción –el lirismo de la memoria narrada, fundamental en ‘Tempestad’, no tiene cabida aquí–, pero la cercanía con la que cuenta la historia de una madre y una hija, en representación de tantas más, sacude de forma inevitable e indiscutible.
Mama
Se trata del largometraje debut de la cineasta china Li Dongmei, de corte semi-autobiográfico. ‘Mama’ es una oda contemplativa al inevitable ciclo de la vida y la muerte, que ofrece una visión bella de la vida cotidiana en las comunidades rurales chinas, pero con un melancólico énfasis intimista que resalta la memoria de la vida familiar y en la añoranza de una niña por su madre fallecida, luego de dar a luz a una nueva hermana.
Cry Macho
En ‘Cry Macho’ tenemos una de las películas más introspectivas y personales del consagrado director, Clint Eastwood (‘Los puentes de Madison’). Al contrario de lo que puedan sugerir el tráiler y la sinopsis, la película no se trata de una gran aventura heroica, sino de una búsqueda intimista de un otrora héroe olvidado por el tiempo, en busca de su lugar. El guion es firmado por Nick Schenk –quien ya había trabajado con Eastwood en ‘Gran Torino’ y ‘La mula’–, y son visibles las referencias y semejanzas a las dichas producciones, como el viaje por México o la dinámica de compañerismo con un joven que se mete en problemas. La película es casi como una revisión de esos personajes, junto con otros: hay un paralelo relevante con ‘Los imperdonables’, de 1992, último western del director por entonces, donde la figura del vaquero ya aparecía deconstruida y era puesta en jaque. La narrativa de ‘Cry Macho’ renuncia rápidamente al realismo y pierde poco tiempo en desarrollar la historia de fondo para poder enfocarse en su personaje, su construcción, su dinámica con el chico y su relación con el mundo. Es, efectivamente, más un melodrama que un western, que funciona como una metáfora y un testamento para la carrera de su director, simbólicamente colocan un final emblemático en su trayectoria. Aunque Eastwood realice más películas, de aquí en adelante podremos entender lo que venga como un prólogo, pues este es un cierre digno y emocionante para una gran carrera.
