Las cenizas del tiempo Redux
Wong Kar-waiOu-yang Feng fue un poderoso y despiadado cazarrecompensas. Sin embargo, con el corazón roto, decide aislarse en el desierto y contratar a otros para hacer el trabajo sucio. Uno de sus pocos visitantes es su amigo, el guerrero Huang Yao-shi, quien ha descubierto un vino mágico que ayuda a olvidar el pasado.
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Las cenizas del tiempo Redux (2008)
Tráiler
Sinopsis
Ou-yang Feng fue un poderoso y despiadado cazarrecompensas. Sin embargo, con el corazón roto, decide aislarse en el desierto y contratar a otros para hacer el trabajo sucio. Uno de sus pocos visitantes es su amigo, el guerrero Huang Yao-shi, quien ha descubierto un vino mágico que ayuda a olvidar el pasado.
Ficha técnica
¿Por qué ver esta película?
Estrenada en 1994 y seleccionada para el Festival de Cine de Berlín en ese año (donde obtuvo el premio a Mejor fotografía, para Christopher Doyle), ‘Las cenizas del tiempo’ fue apenas el tercer largometraje dirigido por Wong Kar-wai (cuarto si se toma en cuenta a ‘Chungking Express’, filmada durante una breve pausa en la producción y estrenada antes), realizado por encargo para poder financiar sus otros proyectos. Aunque se trata de una película clasificada como “wuxia” (ficción de artes marciales en la antigua China), vagamente inspirada en la novela ‘La leyenda de los héroes cóndor’ de Jin Yong, el director la aborda con un enfoque muy poco convencional, con una narrativa fragmentada y hasta difícil de seguir en ciertos puntos, aunque esta disposición para romper con las convenciones ayudó a ponerlo en la mira del público occidental. Dadas las críticas, Wong Kar-wai editó una nueva versión estrenada en 2008, titulada ‘Redux’, con una duración un poco menor. Sin embargo, al no haber sido reeditada de una copia original del filme, ‘Las cenizas del tiempo Redux’ padece de una calidad de imagen y tratamiento de color inferiores, aunque incluso así brinda unas imágenes bellísimas. Se trata, sin duda, de uno de los trabajos más ignorados y menos apreciados del director.
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Deseando amar
Sería técnicamente correcto, aunque limitante, decir que 'Deseando amar' (más conocida por su título internacional, 'In the Mood for Love') es una de las películas más bellas sobre el amor y el desamor en la historia del cine. Estrenada con la llegada del nuevo siglo –y milenio–, pero situada en la tan crucial década de los 60 para la historia asiática moderna, 'Deseando amar' no sólo es una oda posmoderna a la añoranza por la intimidad, sino también a la inevitable transitoriedad de todo lo que existe, cuyos restos no son más que recuerdos impalpables, inalcanzables y cada vez más borrosos. El director Wong Kar-wai logra capturar en cine lo único que queda al final: la dislocación, la sensación de permanecer a un tiempo y lugar que ya no existe y al que siempre se ansía regresar.
Chungking Express
Dependiendo a quién se le pregunte, ‘Chungking Express’ puede considerarse el tercero o el cuarto largometraje del gran cineasta hongkonés Wong Kar-wai (‘Deseando amar’), pues fue realizado durante una pausa en la producción de ‘Las cenizas del tiempo’, e incluso fue estrenado antes en el mismo año. Lo que es cierto es que la película marcó su primer éxito indudable en Hong Kong y atrajo mayor atención del público internacional, con un estilo visual y narrativo marcadamente suyo, enfatizando historias inconexas y fragmentadas sobre el amor y el desamor a través de imágenes de una cadencia hipnótica. En claro contraste con sus producciones previas y, sobre todo, con ‘Las cenizas del tiempo’ (realizada por encargo), ‘Chungking Express’ es una película que saca lo mejor de su visión, filmada por puro ímpetu creativo de espíritu independiente en menos de un mes.
Ángeles caídos
Se trata del quinto largometraje del cineasta hongkonés Wong Kar-wai. ‘Ángeles caídos’ (‘Fallen Angels’) fue concebida como la tercera historia que contaría en ‘Chungking Express’, su película previa sobre dos policías enamoradizos. Al decidir que su película estaba completa así, Wong procedió a reimaginar la tercera historia en una nueva producción, pero con una propuesta visual distinta que las convierte juntas en un díptico: el día y la noche de Hong Kong. En colaboración con su fotógrafo “de cabecera”, Christopher Doyle, la fotografía de ‘Ángeles caídos’ emplea lentes angulares para filmar a sus protagonistas de cerca y distorsionar el mundo alrededor de ellos, evocando su distanciamiento emocional de la realidad.
Happy Together
Se trata de la película que acabó de consolidar al hongkonés Wong Kar-wai como uno de los cineastas más emocionantes a nivel mundial, luego de producciones como ‘Chungking Express’; y también se le considera una de las películas más influyentes en el marco del Nuevo Cine Queer (a pesar de ser una producción ajena a los Estados Unidos y el Reino Unido, considerados como los epicentros del movimiento). ‘Happy Together’ emplea una narrativa sencilla en argumento, pero muy estilizada en su ejecución, con un retrato perfectamente cotidiano y natural de una relación homosexual que lucha por sobrevivir, sin caer en los melodramas típicos de películas sobre el tema. ‘Happy Together’ le dio a Wong Kar-wai el premio a Mejor director en el Festival de Cannes.
2046
La última parte en la trilogía "no oficial" de Wong Kar-wai, junto a 'Días salvajes' y 'Deseando amar'. Si esta última es sobre la tentación no consumada de un amor al alcance de los dedos en una época donde el tiempo parece inmutable, '2046' es sobre el arrepentimiento, la imposibilidad de volver y retomar lo que se dejó ir, con la catarsis de la creación artística como único consuelo. Una oda al desamor y la soledad tan melancólica como visualmente extravagante.
El gran maestro
Seleccionada para inaugurar el Festival de Cine de Berlín en 2013 y nominada a dos premios Oscar (por cinefotografía y diseño de vestuario), esta película marca el regreso del gran cineasta hongkonés, Wong Kar-wai, al cine de artes marciales después de su primera (y hasta entonces, única) incursión en el género con la película wuxia ‘Las cenizas del tiempo’ (‘Ashes of Time’). Inspirada en la vida del legendario maestro de artes marciales y mentor de Bruce Lee, Ip Man, ‘El gran maestro’ (‘The Grandmaster’) es, por mucho, la película más costosa y de valores de producción más elevados en la carrera de su director, y aunque comparte su protagonista con la serie fílmica de ‘Ip Man’, presenta un enfoque totalmente distinto. Aunque las secuencias de acción son igualmente espectaculares, se nota el sello de su director, desde el involucramiento de actores fetiche como Tony Leung (‘Deseando amar’) y Zhang Ziyi (‘2046’), al estilo visual cautivador y la narrativa fragmentada para retratar un periodo de la historia china y hongkonesa que ha quedado atrás, a través de la perspectiva de sus protagonistas.
Drama
El estornino
Dirigida por Theodore Melfi (‘Talentos ocultos’) y estrenada en el Festival de Cine de Toronto en 2021, ‘El estornino’ (‘The Starling’) es un drama sobre enfrentar el dolor de la pérdida y aprender a vivir el duelo. Melissa McCarthy (‘¿Podrás perdonarme?’) y Chris O’Dowd (‘Cartas de Van Gogh’) protagonizan como una pareja que ha atravesado una difícil pérdida, y que cada uno decide lidiar con ella de formas distintas. Es un tema interesante, pero el guion de Matt Harris y la dirección de Melfi optan por la ruta del sentimentalismo facilón, sin decir nada realmente valioso sobre el proceso de duelo,más allá de algunas metáforas burdas. Destaca el elenco, que además de MCarthy y O’Dowd, incluye a talentos como Kevin Kline (‘La decisión de Sophie’), Timothy Olyphant (‘Había una vez en... Hollywood’) y Laura Harrier (‘El infiltrado del KKKlan’).
Noche de fuego
Con su tercer largometraje, la cineasta Tatiana Huezo (‘El lugar más pequeño’, ‘Tempestad’) da el salto al cine de ficción, y la transición es, en términos generales, exitosa. Incluso si las implicaciones de narrar ficción son otras –con un guion basado en la novela ‘Prayers for the Stolen’, de Jennifer Clement, titulada en México ‘Ladydi’–, la directora mantiene con ‘Noche de fuego’ una continuidad temática con sus largometrajes previos: el arraigo por el hogar, así como la rabia y el miedo de quienes han sido desplazados de sus hogares por el crimen y la guerra, con especial énfasis en las víctimas femeninas de dichos contextos. La película es contundente en su representación de una realidad dolorosa del México contemporáneo, pero nunca cae en la explotación miserabilista que acostumbran otras películas similares. Por el contrario, Huezo preserva su maestría para retratar aquello que no se ve, la ira y los miedos que no se enuncian, pero que se entienden entre líneas (o entre imágenes). El impacto queda un poco diluido por la inmediatez de la ficción –el lirismo de la memoria narrada, fundamental en ‘Tempestad’, no tiene cabida aquí–, pero la cercanía con la que cuenta la historia de una madre y una hija, en representación de tantas más, sacude de forma inevitable e indiscutible.
Mama
Se trata del largometraje debut de la cineasta china Li Dongmei, de corte semi-autobiográfico. ‘Mama’ es una oda contemplativa al inevitable ciclo de la vida y la muerte, que ofrece una visión bella de la vida cotidiana en las comunidades rurales chinas, pero con un melancólico énfasis intimista que resalta la memoria de la vida familiar y en la añoranza de una niña por su madre fallecida, luego de dar a luz a una nueva hermana.
Cry Macho
En ‘Cry Macho’ tenemos una de las películas más introspectivas y personales del consagrado director, Clint Eastwood (‘Los puentes de Madison’). Al contrario de lo que puedan sugerir el tráiler y la sinopsis, la película no se trata de una gran aventura heroica, sino de una búsqueda intimista de un otrora héroe olvidado por el tiempo, en busca de su lugar. El guion es firmado por Nick Schenk –quien ya había trabajado con Eastwood en ‘Gran Torino’ y ‘La mula’–, y son visibles las referencias y semejanzas a las dichas producciones, como el viaje por México o la dinámica de compañerismo con un joven que se mete en problemas. La película es casi como una revisión de esos personajes, junto con otros: hay un paralelo relevante con ‘Los imperdonables’, de 1992, último western del director por entonces, donde la figura del vaquero ya aparecía deconstruida y era puesta en jaque. La narrativa de ‘Cry Macho’ renuncia rápidamente al realismo y pierde poco tiempo en desarrollar la historia de fondo para poder enfocarse en su personaje, su construcción, su dinámica con el chico y su relación con el mundo. Es, efectivamente, más un melodrama que un western, que funciona como una metáfora y un testamento para la carrera de su director, simbólicamente colocan un final emblemático en su trayectoria. Aunque Eastwood realice más películas, de aquí en adelante podremos entender lo que venga como un prólogo, pues este es un cierre digno y emocionante para una gran carrera.
