Oscar 2023: ¿dónde ver las películas nominadas?

Reinterpretación contemporánea del clásico Al azar de Baltasar, de Robert Bresson. EO, como su predecesora, es la historia de un burro que es arrancado de su hogar por las circunstancias de la vida, y que acaba recorriendo el mundo en un épico viaje repleto de momentos tan divertidos como tristes y hasta brutales. Nominada al Oscar a Mejor película internacional, esta producción polaca cuenta la clase de historia que nos enfrenta con nuestra naturaleza humana: tanto nuestra capacidad de ser violentos y despiadados con quienes no pueden defenderse, como de vernos reflejados en un ser tan pequeño como nosotros en la enormidad del mundo. Lee más en nuestra crítica completa.

Ganadora de tres Globos de Oro y nominada en nueve categorías del Oscar, la cuarta película de Martin McDonagh presenta una comedia dramática sombría y macabra con un humor certero y grandes dosis de melancolía. La trama de Los espíritus de la isla (The Banshees of Inisherin) se sitúa en una idílica aldea ficticia en Irlanda durante el comienzo del siglo XX, y cuenta la historia de dos amigos de mucho tiempo a partir del momento en que uno de ellos (Brendan Gleeson") decide firmemente terminar esta amistad. El protagonista, interpretado por Colin Farrell, se desanima con la noticia, e insiste en recuperar la amistad por todos los medios, lo que genera una pelea angustiosa con consecuencias trágicas. Los dos actores ya habían trabajado anteriormente con el director en su película En brujas, y la colaboración garantiza un resultado refinado, con una química poderosa. Es un relato melancólico sobre darnos cuenta de que algo ha perdido su significado, sobre la dificultad de seguir adelante y el miedo de estar solo. Lee más en nuestra crítica completa de Los espíritus de la isla.

En el país más contaminado del planeta, India, hay ciudades como Nueva Delhi donde las aves caen al suelo, fulminadas por la toxicidad del aire. La humanidad también sufre los efectos de la contaminación, sumados a un trasfondo social violento. Sin embargo, en medio de todo este caos, dos hermanos encuentran lugar para la compasión, cuidando de una pequeña víctima de los tiempos: el ave conocida como milano negro. Todo lo que respira (All that Breathes), de HBO Max, es de esos documentales en los que, aparentemente, no sucede mucho. Sin embargo, esconden debajo una belleza poderosa y sobrecogedora, pues habla de la compasión y el amor hacia la dignidad de todas las cosas vivientes, incluso en medio de la tragedia y la desesperación. Merecidamente, está nominado al Oscar 2023 como Mejor documental.

‘Top Gun: pasión y gloria’ representa a toda una era de Hollywood, en la que productores como Jerry Bruckheimer y Don Simpson perfeccionaron la fórmula de los blockbusters y exploraban el sentimiento de victoria que los estadounidenses tenían respecto a la Guerra Fría, próxima a finalizar. La película, con su personificación del amor entre hombres –no necesariamente en el sentido físico–, marcó a toda una generación que se reencuentra con Tom Cruise en esta esperada continuación. El director Joseph Kosinski (‘Tron: El legado’) logra notablemente rescatar el trabajo del fallecido director Tony Scott, trayendo mucha de la estética y espíritu de la original, pero adaptando el lenguaje para la nueva era del cine comercial. El resultado es una película muy dinámica, con escenas de batallas aéreas sensacionales (hechas en su mayoría por los propios actores a bordo de los jets) con un guión redondo, que amplía la historia de los personajes originales y presenta a otros nuevos. Además de eso, suma elementos de otras franquicias contemporáneas, como ‘Rápidos y furiosos’ y ‘Misión: Imposible’, además de agregar una pizca de ‘Star Wars’. El resultado es una película que logra dejar a todos felices: los fans de la original amarán la nostalgia, mientras que quienes no eran fans de la fiebre ‘Top Gun’ encontrarán aquí una película divertida y que se sostiene por sí sola. Fórmula perfecta para el éxito, además de mostrar que el casi sesentón Cruise es todavía una estrella en plena forma para cualquier película de acción.

Es fácil para un artista –cineasta o de otro tipo– posicionarse políticamente sobre una problemática dada. La separación del arte y el artista, la moralidad del propio arte o la llamada cultura de la cancelación, por ejemplo. Es mucho más difícil, no obstante, brindar un panorama amplio de todas estas cuestiones para invitar al público a reflexionar y llegar a sus propias conclusiones. Tal es el caso de Tár, regreso del director Todd Field que nos presenta varias facetas de una prestigiosa compositora y directora de orquesta, Lydia Tár (Cate Blanchett en uno de los grandes papeles de su carrera). Por un lado, la artista está en la cima de su carrera, siendo la primera mujer que encabeza la Orquesta Filarmónica de Berlín. Por el otro, sus cuestionables decisiones personales han tenido consecuencias destructivas en las vidas de otros. No hay respuestas fáciles, pero Field se asegura de presentarnos todos los argumentos para el camino, en un portento cinematográfico extenso, pero muy rico en cuestionamientos. Lee más en nuestra crítica completa.

Nominada al Oscar a Mejor Película Internacional, Close es una película que rebosa emoción, sensibilidad y verdad. Dirigida por Lukas Dhont (Girl), la película cuenta la historia de un niño que tiene una relación aparentemente homoafectiva con un compañero. Todo cambia cuando van a otra escuela. Poco a poco, Leo (Eden Dambrine) comienza a alejarse de Rémi (Gustav De Waele), temeroso de la reacción de sus compañeros hacia su relación. Ahí es donde se encuentra toda la sensibilidad de la película, que habla sobre la madurez, el duelo y la depresión de una manera un tanto fría en algunos momentos, pero que se enfoca en profundizar en el personaje de Dambrine y en arrojar luz sobre lo que puede sentir un preadolescente. Dhont, quien logra grandes actuaciones de su reparto, muestra una vez más la fuerza de sus historias y cómo la sensibilidad es obligatoria en su trabajo como director. Close es una película que incomoda, entristece, emociona y transmite verdad.

Obras autobiográficas –en diversos grados– de cineastas, hay muchas. Podemos pensar en Roma de Alfonso Cuarón, Belfast de Kenneth Branagh o El tiempo del Armagedón de James Gray. Pero podríamos decir que Los Fabelman (The Fabelmans), de Steven Spielberg, es la más auténtica de todas ellas. Su trama, siguiendo fielmente varios eventos en la historia de vida de Spielberg, nos habla sobre la vida de una familia, sus cambios y obstáculos, y la experiencia de Sammy Fabelman (Gabriel LaBelle) creciendo en medio de todo ello, descubriendo su amor y vocación por hacer películas. ¿Un poco idealizada? Sí. Pero se trata de una bella película sobre la necesidad no sólo de ver y escuchar historias, sino de crearlas y, por medio de ello, “escribirnos” a nosotros mismos. Lee más en nuestra crítica de Los Fabelman.

Una mujer (Michelle Yeoh) atraviesa un momento complicado: su lavandería está siendo auditada, su esposo quiere pedirle el divorcio, y su hija es infeliz. Por si fuera poco, hay una entidad que amenaza con destruir el multiverso y ella, sin talentos ni sueños cumplidos, es la única que puede detenerla, sólo si logra hacer que su conciencia salte de un universo a otro para aprender las habilidades de sus “otras yo”. ¿La trama de ‘Todo en todas partes al mismo tiempo’ (‘Everything Everywhere All At Once’) es el caldo de cultivo perfecto para un lío narrativo enredadísimo? Sí. ¿Es un frenesí audiovisual cargado de humor profano y referencias a la cultura pop? Sí. Pero el dúo de directores conocidos como Daniels (‘Un cadáver para sobrevivir’) logran mantener su locura multiversal en una narrativa que no sólo es coherente, sino que es sumamente emotiva, mirando de lleno a la oscuridad del absurdo y emergiendo de ella con esperanza. ‘Todo en todas partes al mismo tiempo’ es, sin duda, la película más bella que existe protagonizada por rocas con ojitos de plástico, en la que las personas usan dildos como espadas, y pelean con trofeos ensartados por el culo.

Elvis Presley es uno de los nombres más conocidos de la música mundial, manteniendo una legión de fans –y muchos ingresos– décadas después de su muerte. Sin embargo, ¿cómo es que un joven de Memphis, Tennessee, llegó a coronarse como el “Rey del Rock”? La biopicElvis recorre precisamente ese camino, mostrando cómo la música negra influenció al músico, el descubrimiento de su estilo, el furor (para bien y mal) que causó en la sociedad, así como sus innumerables fases. El hilo conductor de la narrativa lo da el representante del cantante, el “coronel” Tom Parker (Tom Hanks), que condujo a Elvis hasta el estrellato –aunque también es, para muchos, el culpable de su muerte–. A partir de esto se desarrolla una auténtica película-evento, con la edición frenética y los visuales estilizados típicos de Baz Luhrmann (El gran Gatsby). Todo con Austin Butler en el reflector, dando vida al astro de manera fenomenal, haciéndonos creer –incluso cuando canta– que Elvis nunca murió. A pesar de su duración (más de dos horas y media), la producción aborda casi todos los hechos relevantes en la carrera y vida personal de Presley, lo que seguramente dejará a los fans muy satisfechos.

Hablar del director Darren Aronofsky (¡madre!, Réquiem por un sueño) a veces significa hablar de extremos y, en algunos casos, de un miserabilismo abyecto. En La ballena (The Whale), el director toma la obra homónima creada por Samuel D. Hunter sobre un solitario maestro de inglés que vive con obesidad severa, y que intenta reconectar con su hija (Sadie Sink, de Stranger Things) en un último intento de redención. A pesar de que, en efecto, Aronofsky a veces cae en ese miserabilismo innecesario, los personajes son ricos y complejos, interpretados con autenticidad por todo un elenco en el que, naturalmente, Brendan Fraser es el elemento más destacado, merecidamente nominado al Oscar 2023 como Mejor actor.

Al comienzo de Ellas hablan (Women Talking), el público entra a la historia a ciegas. El escenario parece sacado de una película de época. ¿Siglo XVIII, tal vez? Después de todo, la ciudad en la que se desarrolla la película es bucólica y las mujeres que se presentan allí, conversando en un granero, están vestidas con ropa de hace bastantes décadas. El conflicto establecido por Sarah Polley, directora y guionista, también es confuso: fueron agredidas y ahora tienen que decidir qué hacer. ¿Enfrentarse a los hombres o partir? Todas estas dudas, que surgen rápidamente y se disipan lentamente, son intencionales. Entramos en la historia después de las agresiones –esta violencia, después de todo, ni siquiera merece ser fotografiada–. Lo que Polley quiere mostrar es la reacción, la lucha. Estas mujeres, aunque privadas de la escritura, la lectura y su propia voz, decidieron decir basta y están definiendo qué camino seguir. Algunas son más reactivas, otras más racionales. Pero poco a poco, el escenario se va construyendo y la discusión, que recuerda a 12 hombres en pugna, se va resolviendo. El hecho es que Ellas hablan, como sugiere su título original, no ofrece acción y movimiento, sino pensamiento, conversación y reflexión. No voy a entrar en detalles sobre lo que sucede en las vidas de Ona (Rooney Mara), Salomé (Claire Foy), Mariche (Jessie Buckley) o Greta (Sheila McCarthy), ni explorar esas cuestiones que planteé anteriormente. La sorpresa de descubrirlo es parte de la experiencia, que cabe describir como dolorosa. Estas mujeres están resistiendo, pero el dolor del pasado las acompaña y deja una herida abierta o una cicatriz aún tierna. La ambigüedad del tiempo se convierte en la jugada maestra de Polley y coloca a la película como una de las más emocionantes del Oscar 2023, a pesar de sus escasas nominaciones.

En 2009, Avatar se volvió un fenómeno inesperado de taquilla, desbancando a la entonces líder histórica, Titanic. El motivo, más que su trama o incluso la relevancia del director James Cameron (que también hizo Titanic) estaba en toda la importancia tecnológica de la producción: puso al 3D en otro nivel y cambió las reglas. Todos querían ver lo que hacía la película en cines. Trece años después, Cameron regresa a la historia, luego de muchos retrasos y trabajo, con Avatar: el camino del agua (Avatar: The Way of Water). La secuela se sumerge de nuevo en el mundo de Pandora para contar sobre la familia Sully (Sam Worthington, Zoe Saldaña y los hijos) y cómo les ha ido luego de la primera película –aún con los humanos como amenaza para el planeta–. Buscando protección, la familia busca refugio en el mundo acuático de otras tribus de Pandora. Aún con una historia banal y algunos detalles anticuados –como la falta de representación femenina–, Avatar: el camino del agua aún logra emocionar y sorprender con una tecnología para captura de movimiento como nunca se ha visto en la historia del cine. Es linda, encantadora y, a pesar de los derrapes y una duración exagerada, justifica la espera de 13 años.

Tan espectacular como Rescatando al soldado Ryan y Dunkerque, Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front) llama la atención, principalmente, por la forma en que el director Edward Berger (Jack) logra sumergirnos como espectadores en el corazón de los combates de la Primera Guerra Mundial. El enfoque es principalmente el viaje de un joven soldado alemán en el frente occidental, enfrentándose a terribles experiencias que lo dejarán marcado por el resto de su vida. Vale la pena verla sin despegar la atención, con las bocinas al máximo, para dejarse absorber por las emociones.

Aftersun es de esas películas con una trama extremadamente simple y que, sin embargo, esconde un poder devastador. El largometraje debut de la cineasta Charlotte Wells es la historia de una niña de 11 años y sus tiernos recuerdos de las últimas vacaciones que compartió con su padre en un resort de playa turco. Eso basta para una experiencia cinematográfica profundamente emotiva, tan visualmente poética como narrativamente dolorosa, en un retrato de una familiar rota y que está a punto de cambiar para siempre.

Del director Andrew Dominik (This Much I Know to be True), Rubia (Blonde) no es exactamente una biopic sobre la legendaria Marilyn Monroe, sino una ficción biográfica basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates. Como tal, tanto en la novela como en esta adaptación cinematográfica, hay considerables licencias con los hechos. Sin embargo, la novela intentaba pintar un retrato psicológico de la otrora Norma Jeane Baker, representando (con gruesas pinceladas) los aspectos clave que marcaron su difícil vida, y el doloroso precio que pagó por convertirse en la que fue, quizá, la mayor celebridad del siglo XX. Sin embargo, hay que advertirlo: a pesar de una actuación verdaderamente magistral de Ana de Armas, más una preciosa banda sonora compuesta por Nick Cave y Warren Ellis, la película de Dominik cae flagrantemente en la explotación de su protagonista, exaltando su sufrimiento y fracasando en representar otros aspectos de su vida. Puede funcionar como un punto de entrada al mito de Marilyn Monroe (pero, definitivamente, los hay mejores). Lee más al respecto en nuestra crítica.

Un remake directo del clásico 'Ikiru', de Akira Kurosawa, podemos decir que 'Vivir' es incluso una mejora con respecto al original, visualmente más dinámico y narrativamente más económico. En esta versión sucede lo que ya sabemos: un hombre (Bill Nighy en lugar de Takashi Shimura) lleva una vida monótona y aburrida, simplemente enfocado en su trabajo burocrático. Sin embargo, cuando recibe la noticia de que padece cáncer terminal, tiene una crisis que le lleva a cuestionarse para qué ha estado viviendo, y a buscar un propósito para sus últimos días. Sin ser nada miseravelista, 'Vivir' es una película que inspira y convida a la reflexión, precisamente, sobre nuestra forma de vivir. 

La ganadora del Oscar Jennifer Lawrence regresa a la pantalla grande con la película Resurgir (Causeway), la cual formó parte de la selección oficial del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) 2022.  La directora Lila Neugebauer (Las cosas por limpiar) nos lleva a conocer la historia de Lynsey (Lawrence), una ingeniera militar que se ve obligada a volver a los Estados Unidos, luego de sufrir una lesión cerebral durante una explosión en Afganistán. Resurgir nos muestra la importancia de la amistad para superar complicaciones del pasado, con actuaciones que sorprenden y enriquecen una hermosa historia.

El estreno de Entre navajas y secretos(Knives Out) fue una de las grandes sorpresas de 2019: se trató de un whodunit que, sin realmente rehacer las reglas del género, brindó una narrativa apasionante, ingeniosa y divertida sobre intriga y asesinato. Para la secuela, el director Rian Johnson opta por la vía de no arreglar lo que no está roto, sino simplemente tomar lo que funcionó de la primera entrega y hacerlo más grande. Glass Onion: Un misterio de Knives Out (Glass Onion: A Knives Out Mystery) ahora lleva al detective Benoit Blanc (Daniel Craig) a Grecia, donde debe investigar un nuevo misterio con más excéntricos sospechosos. Si te gustó la primera (o simplemente si te gustan los misterios), amarás esta película exclusiva de Netflix.

Dirigida por el argentino Santiago Mitre (La cordillera) y seleccionada en el Festival de Venecia en 2022, Argentina, 1985 es una película que retrata uno de los años más cruciales para la historia reciente del país sudamericano, cuando las cabezas de la dictadura militar fueron llevadas a juicio civil en un caso llevado por el fiscal Julio Strassera (el gran Ricardo Darín, de Relatos salvajes) y su adjunto, Luis Moreno Ocampo (Peter Lanzani, de El clan), con ayuda de un jovencísimo equipo jurídico. En materia de guión y dirección, Argentina, 1985 va a la segura, apegándose a las convenciones del drama legal en su versión más comercial. Pero eso no es algo necesariamente malo: eso la hace emotiva y, sobre todo, accesible a un público que quizá no conoció las atrocidades de la dictadura de primera mano. Así, cumple una de las funciones más vitales del cine, que es la de hacer y preservar la memoria para que tales crímenes no vuelvan a suceder. Mejor enunciado por el pueblo argentino: “nunca más”.

Una versión de Pinocho, de Carlo Collodi, adaptada por el mexicano Guillermo del Toro (El laberinto del fauno, La forma del agua) y el maestro de la animación stop motion, Mark Gustafson (Las aventuras de Mark Twain); solo podía resultar en una cosa: una obra maestra de la animación repleta de claroscuros que abraza la oscuridad del material original, pero también la inocencia de la fantasía para contar un mágico relato sobre dolor y pérdida, miedo y fascismo, familia y alegría. Con la genial música de Alexandre Desplat como cereza en el pastel, Pinocho de Guillermo del Toro es, simplemente, una maravilla cinematográfica (indiscutiblemente superior, dicho sea de paso, al perezoso remake que Disney decidió estrenar en el mismo año).

La saga de Shrek, como tantas otras que se extienden más allá de lo necesario, ha ido de más a menos, a pesar de que su primer (y único) spin-off, Gato con botas, tuvo buena respuesta. Eso fue en 2011, sin embargo. La franquicia, una de las más populares de DreamWorks, estuvo dormida hasta el estreno en 2022 de Gato con botas: el último deseo (Puss in Boots: The Last Wish), y vaya regreso. Esta película trae de regreso los elementos que han funcionado en la franquicia –Antonio Banderas como Gato, Salma Hayek como Kitty Patitas Suaves y las parodias a los cuentos de hadas– para contar una aventura encantadora para los niños, pero con un trasfondo existencial apto para adultos. El estilo de animación, que recuerda a lo hecho por Sony para Spider-Man: Un nuevo universoes simplemente espectacular, como un libro de cuentos animado, y sencillamente merece ser visto en pantalla grande. Lee más en nuestra crítica.

Esta es la primera película de Pixar cuya creación fue liderada por un equipo totalmente femenino, lo que ya hace a su historia muy cercana para muchas mujeres. En ‘Red’ (‘Turning Red’), la directora china Domee Shi nos regresa a los años 2000, con todo y la fiebre por las boy bands, las mascotas virtuales (los famosos Tamagotchi) y un mundo más real, lejos de las pantallas y las redes sociales. Por medio de los ojos de Meilin Lee, una chica de 13 años inspirada en la infancia de la propia directora, seguimos su viaje de crecimiento. Su vida es bastante normal, siempre y cuando no se emocione demasiado, pues se transforma en un gigantesco panda rojo. ‘Red’ es todo un acierto de Pixar: es una película divertida, emocionante y emotiva, especialmente por la forma en que habla de la relación entre madre e hija.

Volcanes: la tragedia de Katia y Maurice Krafft (Fire of Love) cuenta la historia de los dos vulcanólogos del título, cuyo amor y propósito de sus vidas eran los volcanes. Desarrollado principalmente a partir de fotografías, pietaje de archivo y grabaciones exclusivas hechas por Katia y Maurice, esta película de la cineasta Sara Dosa (de la bellísima The Seer and the Unseen) busca la verdad para hablar de la historia de amor de Maurice y Katia, y de ellos hacia los volcanes, que podría haber salido de un libro de amor. Y el final es una especie de catarsis que, después de haberlo visto, hará a la audiencia cuestionarse sobre sus objetivos de vida.

Podríamos decir que muchos cineastas llegan al punto de sus carreras en que pueden permitirse hacer “su 8½”, en referencia a la surrealista película semi-autobiográfica que hiciera Federico Fellini en 1963. Para Alejandro González Iñárritu, uno de los cineastas mexicanos más exitosos en la escena internacional, esta es esa película. En Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades cuenta la historia de Silverio (Daniel Giménez Cacho), un reconocido periodista y documentalista que se ve obligado a volver a su natal México, en un viaje que acabará poniendo a prueba sus límites existenciales. Se trata de una película con un ritmo pausado, sinuosas desviaciones narrativas y un refinado estilo visual que hacen contrapeso a lo que, debe decirse, es una enorme autocomplacencia y vanidad del director. El producto final nunca deja de ser fascinante, eso sí, así que quienes busquen sumergirse en un intenso viaje existencial habrán de darle una oportunidad.

Pantera Negra: Wakanda por siempre (Black Panther: Wakanda Forever) es, innegablemente, una película de transición que surge después de la muerte de Chadwick Boseman, el actor detrás de la máscara del guardián de Wakanda y, por lo tanto, debe dar una nueva dirección a la franquicia. ¿Shuri (Letitia Wright), Ramonda (Angela Bassett), Okoye (Danai Gurira)? ¿Quién asumirá el rol del personaje? A partir de dichas preguntas, el director Ryan Coogler (Creed) presenta una trama sobre luto, tristeza y nuevas perspectivas, intentando reorientar la historia de Pantera Negra luego del doloroso tropiezo. A pesar de los conflictos con Namor (Tenoch Huerta), el príncipe submarino, las escenas de acción son solo parte del espectáculo, que está más enfocado en contar historias de personajes que nunca fueron tan reales dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, para bien y para mal.

Bollywood no juega y 'RRR (Rise Roar Revolt)' es la prueba. La película sigue a un guerrero en una misión peligrosa para encontrar a un duro policía que sirve al ejército británico, en un momento en el que India aún no había logrado la independencia del Reino Unido. El director S.S. Rajamouli se ha encargado de popularizar la industria del cine telugu (un grupo nativo de una de las poblaciones más antiguas del sur de India) y esta producción hace justicia a su éxito. Directores visionarios como Spielberg y James Cameron lo han demostrado en Hollywood, pero en el cine asiático fue Rajamouli quien se estableció como maestro. 'RRR' es una bien hecha película histórica semi-ficcional con calidad para satisfacer al público. El cineasta claramente hizo sus deberes y nos mostró de nuevo por qué es el director más consistente del cine telugu.

Después de ganar el Oscar a Mejor dirección por la deliciosa y romántica La la Land, el cineasta Damien Chazelle regresa para lo que sabe y disfruta hacer: historias emocionantes en el mundo de las artes. Después de hablar sobre música en dos ocasiones (también lo hizo en Whiplash, su primer largometraje), ahora apunta su cámara al Hollywood de los años 20 y 30, momento en el que la cuna del cine occidental atravesó una profunda transformación, en la que el cine mudo hizo la transición al sonido.A partir de eso, con la historia de los personajes Jack Conrad (Brad Pitt), Nellie LaRoy (Margot Robbie) y Manny Torres (Diego Calva) entendemos más sobre los desafíos de ese mundo, con escenas que van desde lo escatológico hasta el drama, de la comedia a la estupidez. Es un paseo entre géneros que, en el fondo, también hace homenajes evidentes y bellos al cine, con referencias a clásicos como Cantando bajo la lluvia y Ocaso de una estrella (Sunset Boulevard), por ejemplo. Todo ello con grandes actuaciones, principalmente de Robbie y Calva. Puede que a algunos no les guste y la llamen exagerada, subida de tono y demás. Pero créelo: esta dantesca producción de Chazelle te puede conquistar.